Wydaje się dziwne, że ustawienie może być postacią. W końcu otoczenie nie ma agencji, motywów ani możliwości podejmowania decyzji. Z drugiej strony sceneria może być czymś więcej niż tylko malowniczym tłem dla scenografii i dialogów. Z pewnością są przypadki, w których sceneria jest tak integralna z DNA filmów, że jeśli ją zmienisz, zrzuci to całą historię.
Ustawienie, jeśli jest dobrze używane, jest skrótem, który może powiedzieć widzom wszystko, co powinni wiedzieć o postaci. Scenerię można wykorzystać do zilustrowania gorącego i nieuniknionego ucisku i oczekiwań, z jakimi żyją bohaterowie filmu, jak to ma miejsce w Spragnionym miłości, lub do odzwierciedlenia obskurnej, oślizgłej postaci z powrotem na nich, jak to ma miejsce w Nightcrawler.
„Zagubieni w tłumaczeniu” (2003)
Niegdyś sławny aktor (Bill Murray) i kobieta (Scarlett Johansson), czując się zaniedbana przez męża, nawiązują nieprawdopodobną przyjaźń, gdy ich ścieżki krzyżują się w Park Hyatt Tokyo. Przytłaczająca presja życia przeciwstawia się równie przytłaczającemu poczuciu samotności w Zagubionych w tłumaczeniu Sofii Coppoli. Nigdzie te dwie koncepcje nie są lepiej urzeczywistnione niż w Tokio, zatłoczonym mieście, w którym nie sposób nie czuć się niezauważonym w oceanie anonimowości.
Lost in Translation doskonale wykorzystuje swoją scenerię, aby odzwierciedlić i przedstawić wyjątkową samotność, jaką odczuwają jej bohaterowie. Pogrążeni w stagnacji w swoich karierach lub związkach, walczą o to, by czuć się widziani, mimo że tak często są otoczeni.
„Zabezpieczenie” (2004)
Niczego nie podejrzewający taksówkarz jest zmuszony spędzić jedną długą noc wioząc płatnego zabójcę po Los Angeles w Collateral. W filmie występują Jamie Foxx i Tom Cruise grający nieco przeciwko typowi, odpowiednio jako pechowy taksówkarz i opanowany, spokojny i opanowany zły facet. Ustawieniem jest także gra przeciwko typowi.
Los Angeles często gra się w filmach. Chociaż jest to centrum kręcenia filmów, nie jest to jedyny powód, dla którego jest popularnym miejscem: Los Angeles jest zawsze rozpoznawalne. Jego smog jest tak znajomy, ale to, czy ten znajomy wygląd wydaje się elegancki, brudny czy groźny, zależy od filmowca, który go uchwyci. W przypadku Michaela Manna wybrał wszystkie powyższe jako zabezpieczenie.
„W nastroju na miłość” (2000)
Kiedy dwóch sąsiadów zdaje sobie sprawę, że ich małżonkowie są zaangażowani w romans, para nawiązuje przyjaźń i próbuje oprzeć się pokusie rozpoczęcia romansu, pomimo siły ich wzajemnych uczuć. Osadzony w gorącym i zatłoczonym Hong Kongu lat 60. In the Mood for Love zasługuje na swój tytuł, a reżyser Wong Kar-wai doskonale uchwycił wyjątkowy i duszący nastrój w całym filmie.
Upał, wilgoć i klaustrofobiczne miasto wywierają wpływ na pana Chow (Tony Leung) i panią Chan (Maggie Cheung) w taki sam sposób, jak presja społeczna tamtych czasów. Ułożone jeden na drugim w przeludnionym mieście, przez cały czas mają na sobie oczy i oczekiwania. Mieszkając w wynajmowanych pokojach z ich plotkującymi i spostrzegawczymi właścicielami, zawsze kilka kroków dalej, pan Chow i pani Chan ledwo potrafią przyznać się do swoich uczuć przed samymi sobą, nie mówiąc już o tych wokół nich.
„Obudź się ze strachu” (1971)
Nauczyciel z Sydney (Gary Bond) popada w szaleństwo i autodegradację, kiedy utknął w małym, surowym miasteczku na australijskim pustkowiu. Wake in Fright jest zdefiniowana przez ustawienie i dotyczy jego ustawienia jednocześnie. Kontrast między metropolią australijską a pustkowiem Australii, szczególnie w latach 70., był wyraźny.
Mieszkańcy miast pragną zdystansować się od stereotypowo australijskich zachowań i zainteresowań (określanych jako „australijska kula kulturowa”) i kręcić nosem na wyraźnie mniej nowoczesne, odludne sposoby robienia rzeczy. Wake in Fright bada, czy to rozróżnienie klasowe i kulturowe jest prawdziwe, czy też wszyscy jesteśmy szorstkimi i gotowymi Australijczykami z pustkowia, którzy po prostu próbują zaprzeczyć naszym najniższym instynktom.
„Nocny pełzacz” (2014)
Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) jest niebezpiecznie ambitnym człowiekiem, który zaczyna filmować przestępstwa i wypadki samochodowe w całym Los Angeles, zarabiając na sprzedaży materiału filmowego lokalnym stacjom informacyjnym. Ustawienie Nightcrawlera w Los Angeles informuje o wiele więcej niż tylko wygląd filmu. Oprócz rozległych, obskurnych i niebezpiecznych ulic, na których Lou szuka krwi, krwi i nieszczęścia, ma również ważną cechę z Lou.
Los Angeles, znane jako miejsce, do którego przybywają ludzie, by „zrobić coś”, to miasto pełne ambicji, pragnień i robienia wszystkiego, co trzeba, by dostać to, czego się chce. Te cechy definiują Lou i szerzej definiują film Dana Gilroya. Nightcrawler, podobnie jak LA, opowiada o niebezpieczeństwach przeboju i naszej obsesji na punkcie podglądactwa i upiornego pochłaniania tragedii innych.
„Czas zabawy” (1967)
Monsieur Hulot, grany przez Jaquesa Tati, który również wyreżyserował film, niezdarnie porusza się po tętniącym życiem i pędzącym w szybkim tempie Paryżu. Playtime to znacznie więcej niż film fabularny. To spektakularna choreografia i osiągnięcie techniczne, które naprawdę rozkoszuje się radością i dziecięcym zachwytem, jakie może zapewnić tylko kino.
Piękno Playtime i powód, dla którego jego ustawienie jest tak wyraźne, polega na tym, że działa prawie jak niemy film. Jest całkowicie wizualny i skomplikowany, z rozbudowanymi rytmami fabularnymi, które są eksplorowane wyłącznie poprzez sposób, w jaki bohaterowie filmu zamieszkują i poruszają się po niesamowitych planach i lokalizacjach.
„Drive” (2011)
Za dnia kaskader, nocą kierowca uciekiniera; Drive to najbardziej nastrojowy utwór w Los Angeles, który podąża za nienazwaną postacią graną przez Ryana Goslinga, gdy porusza się po ulicach i obskurnym podbrzuszu LA Drive, oddaje przede wszystkim samotność i romans jazdy przez miasto po zmroku, czasem tylko po to, by prowadzić.
Film w równym stopniu skupia się na rozrastaniu się miast i hollywoodzkim blasku Los Angeles. Dzięki scenom nakręconym nad rzeką Los Angeles, która była również tłem dla kultowych scen w filmach takich jak Grease i Chinatown, reżyser Nicolas Winding Refn ma wiedzę i miłość do sposobu przedstawiania Los Angeles w kinie.
„Wielkie piękno” (2013)
Starzejący się pisarz (Toni Servillo) podsumowuje swoje życie i zastanawia się nad swoją przeszłością. The Great Beauty to po części dramat narracyjny, po części komedia, a po części dzieło sztuki. Niewiele filmów, których akcja toczy się w Rzymie, uwielbia i szanuje ich scenerię tak bardzo, jak ten film. Fabuła i tematyka filmu są zakorzenione w refleksji, a lokacje i zdjęcia są takie same.
Nie zadowalając się typowymi pułapkami turystycznymi, które międzynarodowi widzowie rozpoznaliby z pocztówek lub szpul na Instagramie, The Great Beauty przedstawia niesamowite włoskie lokalizacje, takie jak Muzea Kapitolińskie, Kościół Santa Maria, Muzeum Palazzo Braschi i Villa Medici.
„Środa nocy” (2019)
Po strasznej tragedii, która spotkała Dani, graną przez Florence Pugh, dołącza do swojego chłopaka w podróży jego chłopców do małej szwedzkiej społeczności, która nie jest tym, czym się wydaje. Znaczenie scenerii Midsommar nie polega na tym, gdzie został nakręcony, a bardziej na wyraźnym kontraście między wizualnym językiem filmu a rozgrywającymi się wydarzeniami.
Midsommar to film oszałamiający wizualnie. Jego lokacje są dodatkowo uwydatnione przez wspaniałą scenografię oraz kapryśne i wystawne kostiumy. Niewiarygodne, skąpane w słońcu, pełne dzikich kwiatów widoki, które zamieszkują bohaterowie filmu, całkowicie kłócą się z mroczną i makabryczną naturą tego, co dzieje się w filmie. Ten kontrast działa jako dodatkowa warstwa tematu filmu, dalej badając ideę, że to, co jest barbarzyńskie, traumatyczne lub odrażające dla jednej osoby, może reprezentować tradycję, wspólnotę i jedność dla kogoś innego.
„Zodiak” (2007)
Zodiac podąża za rysownikiem prasowym Robertem Graysmithem, granym przez Jake’a Gyllenhaala, który ma obsesję na punkcie słynnej sprawy Zodiaku Zabójcy i zostaje w nią wplątany. Film oparty jest na własnej książce Graysmitha o tej sprawie i jego doświadczeniach w jej badaniu. Chociaż książka, a co za tym idzie, adaptacja filmowa, były krytykowane za liberalne interpretacje dowodów, nie można zaprzeczyć, że Zodiac to mistrzowski thriller, który skrupulatnie odtwarza szereg kalifornijskich miast z dokładnością do epoki od lat 60. do 80. XX wieku.
Otoczenie Zodiaku to coś więcej niż tylko wspaniała, ale zapadająca w pamięć grafika, ale także rzeczywista geografia prezentowanych miast. Miejsca zbrodni w filmie odgrywają tak ważną rolę, a niesamowity scenariusz Jamesa Vanderbilta w równym stopniu przekazuje znaczenie geografii filmu, co jego oprawa wizualna.
Czytaj dalej: „The Flawless Club: 15 najlepszych filmów z doskonałym wynikiem 100% na Rotten Tomatoes”