Można powiedzieć, że do kina chodzimy przede wszystkim po dreszczyk emocji. Chęć doświadczania nowych historii, postawienia się w czyjejś sytuacji, przeżywania ekscytujących wydarzeń, które inaczej nigdy by nie były możliwe. Tęsknimy za eskapizmem.
Ale nie o to chodzi w thrillerach psychologicznych. Thrillery psychologiczne mniej skupiają się na zewnętrznych przygodach i zagrożeniach, a bardziej na wewnętrznych światach bohaterów i złoczyńców, których uchwycenie rzeczywistości jest niebezpiecznie bliskie porażki. Są to historie paranoi, urojeń, fobii i nadużyć. Wykorzystują niepokoje publiczności, jednocześnie zapewniając tak bardzo potrzebne katharsis, ujawniając nasze lęki i ujawniając, że można je albo pokonać, albo przynajmniej mieć autentyczną wartość.
Trudno jednak określić, które filmy są thrillerami psychologicznymi, a które po prostu thrillerami, w których bohaterowie kierują się własną, osobistą psychologią. Podobnie jak w przypadku wielu gatunków opowiadania historii, kryteria mogą być nieco mgliste i nie zamierzamy się na tym rozwodzić. Zamiast tego skupimy się na filmach, które naszym zdaniem są absolutnie, w 100% ekscytujące i absolutnie, w 100% zakorzenione w psychologicznym niepokoju.
Oto nasze wybory na najwspanialsze thrillery psychologiczne, jakie kiedykolwiek powstały, z jednym zastrzeżeniem: każdy reżyser ma tylko jeden film, ponieważ niektórzy filmowcy tworzą chałupniczą branżę tego gatunku i ważne jest, aby podzielić się jak największą liczbą genialnych filmów z tylu różnych perspektyw jak to możliwe.
Latarnia gazowa (1944)
Zdjęcie za pośrednictwem Loew’s, Inc.
Gaslight George’a Cukora to nie tylko thriller psychologiczny, to oficjalnie synonim manipulacji i horroru. Dosłownie sam tytuł tego filmu wszedł do popularnego leksykonu, aby opisać formę psychicznego znęcania się. Ingrid Bergman występuje w roli młodej śpiewaczki operowej, która spotyka miłość swojego życia, przystojnego starszego dżentelmena granego przez Charlesa Boyera. Ale zanim się pobiorą i przeprowadzą do londyńskiej kamienicy, związek przeradza się w koszmar. Wygląda na to, że nasza bohaterka traci rozum. Czy ona jest?
Gaslight to remake brytyjskiego thrillera z 1940 roku, który prawie zaginął w historii po tym, jak MGM wykupiło prawa do remake’u i próbowało zniszczyć oryginalne negatywy. I chociaż może mieć zwroty akcji, które dziś wydają się być telegrafowane, teraz, gdy wszyscy wiemy, czym jest „gaslighting”, ponure i gniewne serce filmu wciąż pompuje. Nagrodzony Oscarem występ Bergman, kobiety zepchniętej na skraj wytrzymałości psychicznej, jest bezbronny i surowy, uwięziony i drapieżny, zniewalająco szczery, a pokręcona łajdactwo Boyera zawsze będzie przyprawiać o gęsią skórkę.
Tylne okno (1954)
Obraz za pośrednictwem Paramount
Żaden katalog wielkich thrillerów — psychologicznych lub innych — nie byłby kompletny bez Alfreda Hitchcocka, którego filmy przekształciły i często stanowią egzemplifikację gatunku. Rope, Spellbound, Shadow of a Doubt i Vertigo bez wątpienia zasługują na swój własny wpis tutaj, ale jeśli musimy zawęzić dorobek Hitchcocka do jednego ponadczasowego klasyka, Rear Window zasługuje na ten zaszczyt.
Tylne okno występuje w roli Jamesa Stewarta jako fotografa poszukującego wrażeń, uwięzionego teraz w swoim mieszkaniu i lekko oszalałego po złamaniu nogi w wypadku przy pracy. Bawi się więc, szpiegując swoich sąsiadów, z których każdy ma swoje unikalne osobowości i słabości. To obsesja, która rozwściecza jego dziewczynę, graną przez Grace Kelly, i może posunąć się za daleko, ponieważ jest prawie pewien, że właśnie widział, jak jeden z sąsiadów zamordował swoją żonę. Może. Poniekąd.
Hitchcock kręci cały ten film z wnętrza mieszkania Stewarta, ograniczając zakres ruchu, jakiego oczekujemy od filmu, tworząc klaustrofobiczne środowisko i zmieniając wszystkich w podglądaczy. Obserwując tylko to, co widzi nasz bohater, nawet nie myślimy o kwestionowaniu jego interpretacji zbrodni. Tak więc za każdym razem, gdy którakolwiek z pozostałych postaci wskazuje, jak cienkie są rzeczywiste dowody (a rzeczywiście są cienkie), jesteśmy zmuszeni albo zaprzeczyć logice i popaść w paranoiczną mentalność naszego bohatera, albo przyznać się z niechęcią, że mogliśmy zostać sprytnie oszukani.
Les Diaboliques (1955)
Obraz za pośrednictwem UMPO
W genialnym i zmysłowym thrillerze Henri-Georgesa Clouzota Les Diaboliques występuje Véra Clouzot jako cierpliwa żona agresywnego męża, granego przez Paula Merisse’a. Jest tak odizolowana, że jej jedyną przyjaciółką jest kochanka jej męża, grana przez Simone Signoret, ponieważ jest jedyną osobą, która rozumie, jakim jest potworem. Cóż za pokręcona i nieoczekiwana sytuacja, w której można się znaleźć; to jest dokładnie ten rodzaj związku, który wydaje się prowadzić do morderstwa.
I oczywiście tak jest. Na początku idzie po prostu płynnie. A potem… ciało znika.
Urok Les Diaboliques wykracza daleko poza jego pokręconą fabułę (która jest pokręcona jak cholera). Clouzot i Signoret są ikonami jako podwójne femme fatale, jedna wrażliwa i pełna winy, druga niewzruszona i lodowata, wrzuceni razem w coraz bardziej dziwaczne okoliczności i zastanawiają się nad wszystkimi swoimi niewyobrażalnymi wyborami. Les Diaboliques wciąga cię w kałużę niepewności i podejrzeń, zmuszając do utonięcia.
Złe nasienie (1956)
Zdjęcie za pośrednictwem Warner Bros.
Każdy lubi myśleć, że jego dziecko jest doskonałe, nawet jeśli czasami robi złe rzeczy. Ale w pozornie idyllicznym, podmiejskim świecie The Bad Seed, Rhoda, 8-letnia dziewczyna grana przez Patty McCormack, czasami nie jest trochę niegrzeczna. Jest seryjnym mordercą, który wie, jak manipulować dorosłymi, by myśleli, że jest cennym aniołkiem.
Seryjny morderca dzieci jest wystarczająco przerażający w abstrakcie, ale prawdziwy horror The Bad Seed polega na oglądaniu Nancy Kelly, grającej matkę Rhody, stawianiu oporu, a potem w końcu dochodzi do szokującego uświadomienia sobie, że jej mała dziewczynka jest zatwardziałym mordercą. Zarówno McCormack, jak i Kelly zostali nominowani do Oscara za swoje role, podobnie jak Eileen Heckart jako matka jednej z ofiar, ale Kelly kradnie ten program, odrywając kawałki swojego zdrowia psychicznego, gdy zdaje sobie sprawę, jak zły jest jej własny cenny anioł i odsłaniając plątaninę surowych nerwów pod spodem.
Co się zdarzyło Baby Jane? (1962)
Zdjęcie za pośrednictwem Warner Bros.
W dziwacznym i groteskowym filmie Co się zdarzyło Baby Jane?, filmowiec Robert Aldrich ujawnia coś, co wydaje się być głęboko zakorzenioną wstrętem do przemysłu rozrywkowego, a konkretnie żniwo, jakie przez całe życie zbiera na młodych wykonawcach. Film opowiada historię „Baby” Jane Hudson, dziecięcej gwiazdy lat dwudziestych, której kariera ostatecznie ustąpiła miejsca jej siostrze Blanche, która była pierwszoplanową aktorką. Tragiczny wypadek sparaliżował Blanche, a Jane obwiniała o tragedię, niechętnie przyjmując rolę niechętnej opiekunki swojej siostry.
Kilkadziesiąt lat później dom Hudsonów jest gniazdem szczurów ropiejącej urazy. Blanche, grana przez Joan Crawford, mieszka na górze jako łaska Jane, granej przez Bette Davis. Nadużycia, jakich doświadcza Blanche, są szokujące, a rozkład psychiki Jane jest odrażający, ale zarówno Crawford, jak i Davis są całkowicie zaangażowani w sprawienie, by to dziwaczne, wzajemnie destrukcyjne życie wydawało się prawdopodobne. Film argumentuje, że są to większe niż życie konsekwencje życia większego niż życie, a makabryczny los, który spotyka te siostry, wygląda tak, jakby został wyrwany ze szczególnie lubieżnych nagłówków, brukowa historia, która nie mogła i powinna być. nie być, ale wydaje się całkowicie prawdziwe. Czekają na Ciebie porywające występy i lubieżny strach.
Korytarz szokowy (1963)
Obraz za pośrednictwem zdjęć Allied Artists
Jako filmowiec Samuel Fuller z upodobaniem przekraczał granice narracji, a w swoim absolutnie elektrycznym thrillerze psychologicznym Shock Corridor praktycznie przez nie przebił. Peter Breck gra Johnny’ego Barretta, dziennikarza mającego obsesję na punkcie zdobycia nagrody Pulitzera, który podejmuje śmiały plan, by trafić na nagłówki. Pójdzie pod przykrywką do szpitala psychiatrycznego, zamieszka wśród więźniów i dotrze do sedna niewyjaśnionego morderstwa.
To pomysł, który brzmi sprytnie na papierze, ale stawia Barretta w wstrząsającej sytuacji. Bez wsparcia, bez powiernika, bez szansy na wytchnienie lub ucieczkę, pogrąża się w środowisku nadużyć, paranoi i złudzeń, i wielokrotnie ulega czarowi współwięźniów. To, czy rozwiąże morderstwo, staje się sprawą drugorzędną; jest uwięziony w niekończącej się walce o własne zdrowie psychiczne. Znakomite występy, niepokojące pisarstwo i odważne obrazy sprawiają, że Shock Corridor szokuje ponad 60 lat później.
Odpychanie (1965)
Obraz za pośrednictwem Compton Films
Niemal wytarta prostota Wstrętu może być wstrząsająca. Catherine Deneuve gra Carol, młodą kobietę mieszkającą z siostrą Helen, której odrzuca chłopak siostry, jej niedoszli zalotnicy i służalcze elementy jej życia, które w normalnych okolicznościach byłyby drobnymi przykrościami. Kiedy Helen nagle wyjeżdża z miasta na romantyczną ucieczkę, Carol zostaje sama i nagle pogrąża się we własnych lękach, fobiach i stopniowo halucynacjach.
Większość Wstrętu to po prostu Catherine Deneuve, która szarpie sobie nerwy w mieszkaniu, a to sprawia, że jej pogrążanie się w psychotropowym horrorze wydaje się uniwersalne. Pozbawiona sztuczek i narracyjnych sztuczek, Wstręt podkreśla podświadome skojarzenia Carol, ujawniając sieć niekontrolowanych, niezdiagnozowanych traum, które w końcu mają okazję się zaognić, bez pozornie niepożądanych rozproszeń innych ludzi.
Siostry (1972)
Zdjęcie za pośrednictwem American International Pictures
Brian De Palma zbudował większość swojej kariery wokół akrobatycznie sfotografowanych, labiryntowych psychologicznych i często seksualnych thrillerów. Ale chociaż Dressed to Kill, Obsession, Body Double i Raising Cain to gwiezdne, trąba powietrzna szokujące, to jego pierwsza wyprawa…