Przeczytaj aktualizację
- Dzięki niezwykle wyjątkowym ostatnim filmom, takim jak Tár i Triangle of Sadness, jest oczywiste, że filmowcy nadal przesuwają granice i łamią zasady obowiązujące w branży. Nie brakuje legendarnych klasyków, które odegrały ważną rolę zarówno w kształtowaniu, jak i zmianie tych zasad kinematografii, a najbardziej innowacyjne i (wówczas) kontrowersyjne z nich nadal wpływają na dzisiejsze filmy.
„Zasady są po to, aby je łamać” jest prawdziwe dla wielu artystów i filmowców. Chociaż przy produkcji filmu należy wziąć pod uwagę pewne zasady i standardy, wielu filmowców przeciwstawiło się temu i zamiast tego stworzyło własne zasady. Ponieważ kręcenie filmów jest sztuką i jest subiektywne, artyści czują, że mogą wykorzystać platformę jako czyste płótno i wypełnić ją tak, jak chcą, nawet jeśli oznacza to złamanie struktury Podróży Bohatera, zasady trójpodziału, zasady 180 stopni , i inni.
Podczas gdy niektóre filmy łamiące zasady nie odniosły pełnego sukcesu w swoich staraniach, inne złamały zasady w najlepszy możliwy sposób. Czy to dzięki innowacyjnym zdjęciom i niekonwencjonalnym postaciom, czy złamanym tabu i przełomowym fabułom, filmy te odcisnęły swoje piętno na historii kina, zmieniając reguły gry.
Zaktualizowano 9 grudnia 2022 r. przez Hannah Saab:
Dzięki niezwykle wyjątkowym ostatnim filmom, takim jak Tár i Triangle of Sadness, jest oczywiste, że filmowcy nadal przesuwają granice i łamią zasady obowiązujące w branży. Nie brakuje legendarnych klasyków, które odegrały ważną rolę zarówno w kształtowaniu, jak i zmianie tych zasad kinematografii, a najbardziej innowacyjne i (wówczas) kontrowersyjne z nich nadal wpływają na dzisiejsze filmy.
„Pulp Fiction” (1994)
Dostępne do transmisji na HBO Max.
Historia dwóch zabójców, Vincenta Vegi (John Travolta) i Julesa Winnfielda (Samuel L. Jackson), przeplata się z ich szefem Marsellusem Wallace’em (Ving Rhames), jego żoną aktorką Mią (Uma Thurman), bokserem Butchem Coolidge (Bruce Willis ), sprzątacz Winston Wolfe (Harvey Keitel) oraz para uzbrojonych rabusiów Pumpkin (Tim Roth) i Honey Bunny (Amanda Plummer).
W przeciwieństwie do wielu filmów, Pulp Fiction ma nieliniową strukturę, która składa się z siedmiu sekwencji. I choć wydaje się, że nieliniowa struktura jest tym, co złamało zasadę robienia filmów, to ciężkie dialogi wyróżniają się najbardziej. W pisaniu scenariuszy praktyczną zasadą jest nie przesadzać z dialogami w scenariuszu, ale tak zdecydował Tarantino w przypadku Pulp Fiction (i wielu innych jego filmów) i to zadziałało.
„Imperium śródlądowe” (2006)
Każdy, kto zna Davida Lyncha, wie, że jest on mistrzem kina surrealistycznego. W swoim ostatnim filmie fabularnym Inland Empire życie aktorki o imieniu Nikki Grace (Laura Dern) splata się z życiem jej filmowej bohaterki, Sue Blue. Gdy śledzimy surrealistyczne podróże Nikki Grace i Sue Blue, z minuty na minutę wszystko staje się coraz dziwniejsze.
Podczas gdy film zwykle składa się ze spójnej fabuły, wiele filmów Lyncha, takich jak Inland Empire, nie ma logicznej fabuły. Często kwestionujemy to, co dzieje się w jego filmie. Ale tym, co czyni Lyncha wielkim, jest jego umiejętność jednoczesnego dezorientowania i olśniewania publiczności.
„Człowiek z kamerą” (1929)
Dostępne do transmisji na Kanopy.
Człowiek z kamerą to eksperymentalny niemy sowiecki film dokumentalny wyreżyserowany przez Dzigę Wiertowa, nakręcony przez jego brata Michaiła Kaufmana i zmontowany przez żonę Wiertofa, Jelizawietę Swiłową. Film przedstawia życie miejskie Moskwy i ukraińskich miast, takich jak Kijów i Odessa, w latach dwudziestych XX wieku. Przy czasie trwania 60 minut Człowiek z kamerą niekoniecznie liczy się jako film fabularny, ponieważ średni czas trwania filmu wynosi od 90 do 120 minut.
Film nie ma głównych aktorów i wyraźnych wątków fabularnych i jest raczej kompilacją i dokumentacją dnia z życia rosyjskich i ukraińskich cywilów. Pomimo tego, że niektórzy nie uważali go za film, Wiertow i jego film byli uznawani za wynalazców i wykorzystanie wielu technik kinowych, takich jak wielokrotna ekspozycja, przyspieszenie / zwolnione tempo, zatrzymanie klatek, cięcie meczowe, cięcie z przeskokiem, podzielone ekrany i holenderskie kąty.
'Samolot!’ (1980)
Dostępne do transmisji na HBO Max.
Samolot!, jak sugeruje tytuł, to fałszywa komedia, która w zabawny sposób kpi z filmów katastroficznych, które zostały wydane w latach 70. Kiedy pasażerowie i załoga, w tym piloci samolotu, dostają zatrucia pokarmowego, były pilot myśliwca z problemem alkoholowym, Ted Striker (Robert Hays) i jego była dziewczyna, obecnie stewardessa Elaine (Julie Hagerty), mają doprowadzenia samolotu do bezpiecznego lądowania.
Chociaż samolot! nie jest pierwszym filmem, który zburzył czwartą ścianę, wśród wielu filmów, które również wykorzystały tę technikę, słynie z patrzenia bezpośrednio na publiczność w celu wzmocnienia swojej komedii. Od czasu wydania, Samolot! został uznany za jedną z najzabawniejszych komedii i najlepszych filmów wszechczasów przez różne sklepy, takie jak magazyn Empire i Bravo.
„Lśnienie” (1980)
Dostępne do transmisji na HBO Max.
Lśnienie Kubricka, oparte na powieści Stephena Kinga o tym samym tytule, do dziś pozostaje jednym z najbardziej kultowych horrorów psychologicznych. Jako reżyser Stanley Kubrick znany był z zamiłowania do wizualnej symetrii, którą często wykorzystywał w swoich filmach. Podczas gdy Kubrick utrzymywał wizualną symetrię w wielu scenach Lśnienia, złamał także zasadę 180 stopni w kręceniu filmów. Według Early Light Media złamanie zasady 180 stopni ma miejsce, gdy widzowie uważają, że postać na ekranie „w magiczny sposób obróciła się z pierwotnej pozycji, podczas gdy w rzeczywistości wcale się nie poruszyła”.
Złamanie zasady 180 stopni zwykle nie jest uważane za idealne posunięcie w filmach, ponieważ może zdezorientować punkt widzenia widza i perspektywę sceny i akcji. Jednak przez lata wielu filmowców zdecydowało się złamać tę zasadę, aby wywołać zamieszanie lub pokazać nagłą zmianę nastroju w historii. W pewnym sensie złamanie zasady może ulepszyć historię lub postacie.
„Dogville” (2003)
Dogville Larsa von Triera rozgrywa się w minimalistycznym małym miasteczku na dosłownej scenie dźwiękowej, gdzie historia jest podzielona na dziewięć rozdziałów i prolog. Film kręci się wokół dziewczyny, Grace Mulligan (Nicole Kidman), która jest outsiderką w małym amerykańskim miasteczku. Film eksperymentalny zebrał mieszane recenzje po premierze ze względu na niekonwencjonalne wybory reżysera, takie jak ustawienie filmu na scenie dźwiękowej z minimalistyczną scenerią.
Podczas gdy niektórzy chwalili film jako nowatorską wypowiedź artystyczną, inni uważali, że był zbyt emocjonalnie oderwany, niektórzy nawet nazywali go mizantropijnym (antyludzkim) i zaledwie wyczerpującym trzygodzinnym filmem pełnym bezużytecznych eksperymentów. Tak czy inaczej, jest znany z tego, że złamał wiele zasad filmowych.
„Lustro” (1975)
Dostępne do transmisji na kanale The Criterion.
Andriej Tarkowski, uważany za jednego z najwybitniejszych filmowców wszechczasów, wyreżyserował film Lustro. Film, opowiedziany w nielinearnej narracji, odsłania wspomnienia umierającego poety i jego osobiste doświadczenia z kulturą sowiecką. Lustro nieustannie prześlizguje się między czernią i bielą, kolorem i sepią – ukazane jak we śnie, podskakujące między snami a koszmarami.
Podczas gdy niektórzy nie są tak zachwyceni filmem, ponieważ uznali historię za niejasną i nieostrą, inni określają go jako jeden z najwspanialszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały. Ankieta Sight & Sound z 2012 roku umieściła Mirror jako 19. największy film wszechczasów, angielski dziennikarz Will Self nazwał go „najpiękniejszym filmem, jaki kiedykolwiek powstał”, a Brytyjski Instytut Filmowy zauważył, że film „był pionierem w poetyckiej i bogatej w aluzje formie”.
„Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles” (1975)
Dostępny do transmisji na HBO Max i The Criterion Channel.
Belgijski film Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, przedstawia dzień z życia gospodyni domowej, Jeanne Dielman (Delphine Seyrig). W ciągu trzech dni Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles, przedstawia zaplanowane i powtarzalne zadania, które gospodyni domowa musi codziennie wykonywać; gotować, sprzątać i zajmować się dziećmi. W ramach swojej codziennej rutyny i źródła dochodu Jeanne każdego popołudnia uprawia seks ze swoimi klientami płci męskiej.
Reżyserka Chantal Akerman potrafiła zafascynować widzów sekwencjami zwykle pomijanymi w filmach. Akerman nazwał ten film „filmem o miłości do mojej matki. |t daje uznanie tego rodzaju kobietom”. Akerman uważał również, że nadszedł właściwy czas na nakręcenie filmu skupiającego się na kobietach, ponieważ „w tamtym momencie wszyscy mówili o kobietach” i że był to „właściwy czas”.
„Jules i Jim” (1962)
Dostępne do transmisji na HBO Max, The Criterion Channel i Kanopy.
Wśród najlepszych filmów francuskiej Nowej Fali w kinie Jules et Jim to wielokrotnie nagradzane arcydzieło wyreżyserowane, wyprodukowane i napisane przez François Truffaut. Obraca się wokół niekonwencjonalnego i tragicznego trójkąta miłosnego między Bohemian Jimem (Henri Serre), jego niezdarnym kumplem Julesem (Oskar Werner) i partnerką Julesa, Catherine (Jeanne Moreau).
Niesamowity film Truffauta wygląda i brzmi jak typowa komedia romantyczna (tak jak ją dziś znają widzowie), z radosnymi montażami, lekką narracją i wesołą muzyką. Łamie zasady, paradoksalnie, ponieważ sama historia – wraz z dialogami i charakteryzacją – ma zaskakującą emocjonalność i głębię, która pozostawia widza z ciężkim uczuciem. Nie wspominając nawet o tym, że w tamtym czasie uważano to za transgresję seksualną dzięki łukowi Katarzyny.
„Psychoza” (1960)
Dostępne do wypożyczenia na Apple TV.
Psychoza w reżyserii Alfreda Hitchcocka to kultowy thriller psychologiczny, którego nie trzeba przedstawiać. Film o znaczeniu kulturowym jest często uważany za jeden z najwcześniejszych przykładów slashera, ponieważ śledzi złodziejską sekretarkę Marion Crane ( Janet Leigh ) w biegu przed zatrzymaniem się w motelu Bates. Tam poznaje…